Metro Underground / El cine: lenguaje del alma

“El actor debe ser capaz de crear un universo en la palma de su mano”, diría Laurence Olivier, y eso es precisamente lo que hace Nathalia Acevedo (Ciudad de México, 1984) con los papeles que interpreta, además de ser una actriz mercurial; sabe adaptarse a la temperatura de cada momento.

Nathalia Acevedo es mejor conocida por su debut actoral en “Post tenebras lux”, de Carlos Reygadas, que se estrenó en competencia en el Festival de Cine de Cannes 2012 y ganó para Reygadas el Premio al Mejor Director. Sus papeles más icónicos desde entonces incluyen protagonizar, junto a Tadanobu Asano, “Ruined Heart”, del director de culto filipino Khavn De La Cruz, en 2014 —filmada por Christopher Doyle y estrenada en el Festival de Cine de Tokio 2014— y “The Trouble with Nature” (2020) de Illum Jacobi.

En entrevista, charlamos sobre su trabajo dramático, la mística en “Post tenebras lux” y de literatura.

¿Cómo ha sido trabajar con el director de cine filipino Khavn de la Cruz, considerado como ‘el padre del cine digital filipino’, en ‘Ruined Heart! Another Love Story Between a Criminal and a Whore’ (2014)?

Khavn de la Cruz es un artista increíble: es un gran poeta, escritor, músico, cineasta, alguien lleno de humor y ganas de crear constantemente. Ha dirigido un sin fin de películas; para él no existen las limitaciones —algo que encuentro admirable en alguien que hace cine donde las limitantes son tan recurrentes. Tiene una necesidad loca por crear y eso es lo más admirable en alguien como él.

Lo conocí en un festival de Polonia, cuando yo estaba presentando “Post Tenebras Lux”, y él estaba a su vez presentando “Mondomanila” (2012), una película que me marcó muchísimo, porque es una cinta grotesca, pero a su vez muy cautivadora y hermosa. Cuando nos conocimos me ofreció inmediatamente el papel para su siguiente película. En ese momento lo pensé un poco, porque después de ver “Mondomanila” no sabía muy bien cuáles serían los retos como actriz, incluso le ofrecí formar parte de la producción en vez de estar delante de cámara. Posteriormente se añadieron al proyecto Tadanobu Asano y Cristopher Doyle, a quienes admiro enormemente y con quienes en ese entonces sólo hubiera soñado colaborar. Sin darle más vueltas me subí en ese avión a Manila y me permití vivir una de las mejores experiencias de mi vida.

‘Corazón arruinado’ es la historia de una pareja alimentada por el sexo, las drogas, el rock ‘n’ roll, y en ultima instancia, la tragedia, que llega al final de todo. Es una historia común, que se ha contado infinidad de veces en la literatura, y para bien o para mal, en el departamento de cinematografía; pero tu actuación la hace completamente incomparable. ¿Cómo fue tu preparación para este papel?

Fue una película que se grabó en dos semanas; en sí no hubo mucha preparación. Era todo muy improvisado. No habían diálogos, eso facilitaba mucho las cosas; no había necesidad de aprenderse un guion, todo era puro impulso. Era pura diversión e improvisación.

¿Cómo fluyó la química entre tú y el actor Tadanobu Asano?

Hubo buena química pero la realidad es que ambos éramos personas muy reservadas y había sobre todo mucho respeto. Nuestra interacción sucedía sobre todo a la hora de rodar. Recuerdo que admiraba mucho su profesionalismo, la manera en la que con tanta facilidad entraba y salía de personaje. En ese entonces yo no tenía mucha experiencia y aprender eso de él fue una gran lección.

¿Cuál es tu lectura acerca de ‘Post Tenebras Lux’ (2012), la película que le valió a Carlos Reygadas el premio a mejor director en el Festival de Cine de Cannes; crees que sea una película espiritual?

Creo que “Post Tenebras Lux” es una de esas películas que, dependiendo del momento en el que te encuentres en la vida, le puedes dar cierta lectura. Yo creo que Carlos se interesa en la mística; le gusta abordar temas acerca del alma, del ser humano, con sus profundidades, sus contradicciones y sus distintas capas, y logra expresarlo en su cine. Es un cine que toca las cuestiones humanas más importantes, pero sobre todo, las más universales.

Tu papel en dicha cinta es el de una madre, el corazón y el ancla tanto de la película como del triángulo amoroso argumental. Tu personaje se desarrolla en una jungla mexicana, exuberante y verde; preside su hogar, moderno y orgánico, con aplomo y sofisticación, tan vulnerable y tan protegida a la vez. ¿Qué fue lo más difícil de interpretar este rol?

“Post Tenebras Lux” fue una experiencia que me cambió la vida. Conocí a Carlos de una forma fortuita, a través de amigos en común; no fue una amistad en un principio, sino que se fue formando con el tiempo. En algún momento me ofreció el papel. Al principio no supe que hacer ya que soy una persona muy tímida, sabía que habían escenas fuertes, me daba pena y miedo al mismo tiempo; luego me di cuenta de que era un miedo muy tonto, puro juicio ante mí misma. “Post Tenebras Lux” fue una escuela en todos los sentidos, en cuanto a mi interés por el cine como también sobre ciertas cuestiones humanas. Honestamente, hoy, después de 10 años, lo veo tan distante todo que no sabría decirte que fue lo más difícil, si fue el estar delante de cámara por primera vez, si fueron las escenas de desnudos, o bien, toda la experiencia posterior que fue una verdadera montaña rusa, por ejemplo, recibir mucha atención sin saber bien qué hacer con ella.

¿Qué significado le das a la figura del diablo, dentro de la película?

Lo bello del cine es que es un lenguaje no verbal del alma, y cuando tratas de verbalizar ciertas cosas creo que existe el riesgo de que se pierda parte del significado. A grandes rasgos, diría que es esa presencia que está en todos nosotros, que mueve ciertos hilos, que nos confronta. Me parece que todos estamos llenos de mentiras y de verdades, de deseos e ilusiones, y en nuestro entendimiento, en nuestros discursos, en nuestras maneras de ser, todo es muy manipulable.

¿Por qué aceptar un papel en una película sobre Edmund Burke, en ‘The Trouble With Nature’ (2020), de Illum Jacobi (‘Trance Mountain’)?

Es una de mis películas favoritas, por la temática y también por el rodaje; era vivir la aventura de ir a Los Alpes a realizar una road movie en la que subiríamos  el Mont Blanc con un crew muy pequeño. Una cinta de alpinismo con vestimenta de época. Ha sido de esas experiencias que agradezco mucho haber vivido. El director Illum Jacobi es alpinista y ha realizado diversas películas acerca del tema. Era muy cómico vernos en nuestro vestuario de época subiendo por la nieve hasta llegar a la cima. Nos cruzábamos con gente que no entendía que hacíamos subiendo el Mont Blanc vestidos así. Era muy divertido ver sus rostros cuando los rebasábamos a pesar de sus equipos sofisticados de alpinismo y nosotros simplemente íbamos vistiendo nuestras botitas antiguas. Los paisajes eran una verdadera locura. Experimentábamos todo aquello de lo que hablaba Edmund Burke en su obra, lo sublime, la búsqueda de aquello superior a todo. La película es una comedia algo absurda que habla de cómo esta falsa idea de progreso con sus definiciones intelectuales pretenciosas están en sí tan desconectadas de lo sutil, de la naturaleza, donde realmente se esconde lo excelso, de lo más cercano a lo que en realidad somos. Es una película de época pero es totalmente relevante hoy en día. Una crítica a nuestras sociedades, donde todo se ha vuelto una gran pretensión que mira a un falso avance, que nos desconecta de las cosas más elementales.

¿Cuándo se estrena ‘Robber’s Roost’, de Galen Rosenthal?

Todavía no hay fecha. Es un western en el que he estado trabajando desde 2020. Retomé el papel de Margot Kidder, que desgraciadamente murió antes de haber terminado el rodaje. Esto ha sido tanto un honor como un gran reto para mí.

La película también ha sido un verdadero desafío en términos de producción, ya que está rodada en un lugar muy remoto de Utah. En invierno, el acceso se realiza únicamente con snowcats. A veces nos retrasan las tormentas de nieve. Pero el resultado ha sido un paisaje único, te sientes como si estuvieras en el fin del mundo.

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Este largo proceso ha sido un gran aprendizaje para mí, así como la determinación de Galen Rosenthal que ha logrado continuar a pesar de todas las dificultades encontradas.

¿Cuál es tu libro de cabecera?

Mi libro de cabecera, para todo lo que tiene que ver con referente al cine es “Devotional Cinema”, de Nathaniel Dorsky (2003), una joya que explica la importancia del alma en la creación del cine. Cómo la mirada nos puede transmitir una experiencia trascendental única. Con la infinita cantidad de  películas y series que se han enfocado en el puro entretenimiento y escape hoy en día, se aprecia mucho poder tener el recordatorio que el cine puede comunicar algo mucho más profundo, que nos permita entendernos mejor dentro de la complejidad que significa ser un ser humano. Otro libro que también siempre tengo a lado mío es “Un actor a la deriva”, de Yoshi Oída (1992), un actor japonés de la compañía de Peter Brook que nos comparte sus procesos actorales, desde los experimentos que aplicaban en las giras que llegaban a lugares donde las barreras del lenguaje eran inmensas, como por ejemplo tribus lejanas en África donde los intereses eran opuestos a los de las culturas occidentales, hasta el análisis de las distintas formas de dramatización. Justo ahora estoy releyendo otra vez “Por el camino de Swann”, de Marcel Proust (1913), porque me encantan sus descripciones tan específicas de los instantes. La descripción de tan sólo un segundo se puede convertir en seis páginas de texto. Envidio esa capacidad del uso de la palabra.